NOTART 1.0〜4.0｜現代アートを読み解く新しい視点

NOTART 3.0 ― 消費・拡散・体験の時代（1980s〜2000s）

草間彌生《無限の鏡の間》：光に包まれる終わりなき体験

美術館の扉をくぐると、そこは無数の小さな電球と鏡に囲まれた部屋。
観客が一歩足を踏み入れると、天井も床も壁もすべてが鏡で反射し、無限に広がる光の宇宙が出現します。

これが草間彌生の代表作《無限の鏡の間（Infinity Mirror Room）》です。
日本人作家でありながら、ニューヨークを拠点に活動していた草間は、自身の幻視体験を作品化しました。
観客は作品を「鑑賞」するのではなく、「没入」する。
美術館に行列ができ、入場者はわずか30秒〜1分という短い時間で交代します。
それでも人々は数時間待ちの列に並び、この「体験」を求めるのです。

ここでは、NON ART＝鏡や電球といった日常的素材が、展示構成と観客の身体的体験によって「アート」へと変わります。
草間作品はSNS時代に最適化され、写真を撮って拡散する行為そのものが作品の延長になっているのです。

バンクシーと「シュレッダー事件」：市場批判のパフォーマンス

2018年、ロンドンのサザビーズで行われたオークション。
バンクシーの代表作《Girl with Balloon（風船と少女）》が約1.5億円で落札された瞬間、額縁の中で「ジジジ…」という音が鳴り響きました。
作品は額縁に仕込まれたシュレッダーにかけられ、下半分が細断されて垂れ下がりました。

会場は騒然。
オークションは混乱しましたが、作品はそのまま「完成作」として再評価されました。
むしろ破壊のパフォーマンス自体が新たな価値を生み、価格はさらに高騰したと言われています。

ここでは、NON ART＝破壊行為が、そのまま作品の一部となりました。
そして、アート市場を批判するはずの行為が市場に取り込まれるという逆説的な状況も浮き彫りになりました。

村上隆と「スーパーフラット」：オタク文化の世界戦略

日本から世界に飛び出したもう一人の巨匠が村上隆です。
彼は「スーパーフラット」という理論を打ち出しました。
アニメやマンガの平面的な表現を肯定し、それをそのまま大規模なアート作品に昇華したのです。

代表作《DOB君》は、巨大でカラフルなキャラクター。
ルイ・ヴィトンとコラボしたバッグは、アートとファッション、消費文化を直接つなぎました。
ここで扱われているのはNON ART＝大衆文化・商品ですが、それをアートの文脈に引き上げることで「高級アート」として世界市場に流通するようになったのです。

奈良美智の「無垢な怒り」

奈良美智の絵に登場するのは、無垢な子どもや犬。
しかしその目は鋭く、挑戦的な視線を投げかけています。
「かわいい」の中に「怒り」や「孤独」を秘めたその表情は、90年代以降の若い世代に強い共感を呼びました。

NON ART＝子どもの落書き風の絵が、文脈を与えられ、現代の孤独や社会批判の象徴となったのです。

ダミアン・ハースト《サメ》：死と市場

イギリスのヤング・ブリティッシュ・アーティスツ（YBAs）の中心人物ダミアン・ハーストは、ホルマリン漬けのサメを展示しました。
タイトルは《The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living（生きている者の心における死の物理的不可能性）》です。

水槽の中で静止する巨大なサメは、鑑賞者に強烈な死の存在を突きつけます。
同時に、この作品は市場で数十億円の値が付き、アートとマネーの関係を象徴するものとなりました。
NON ART＝死体そのものが、「NOT ART」、いや、ここではむしろ「ART」というラベルをつけられて売買される。
ここに現代アートの逆説的な姿が表れています。

フランク・ゲーリー《グッゲンハイム美術館ビルバオ》：都市を変えた建築

1997年、スペイン・ビルバオに登場したゲーリー設計のグッゲンハイム美術館は、チタンの曲線がうねる未来的建築でした。
この建築が観光客を呼び込み、街の経済を蘇らせたことは「ビルバオ効果」と呼ばれます。

NON ART＝都市再生や観光が、建築を通じてNOT ARTとなります。

ここに3.0の特徴である「体験」が現れています。

安藤忠雄《光の教会》

ただのコンクリートの箱に、十字の切れ込みから光が差し込み内部は何もありません。
観客は無機質な空間に入り、光そのものを体験します。安藤忠雄は独学の建築家で「自然との対話」を徹底して追求しました。打ち放しコンクリートと光、風、雨といったNON ARTを組み合わせ、NOT ART＝建材が精神的体験を生む場に転換されます。
これもまさに「NOTART 3.0の体験型空間」の代表例です。

磯崎新《つくばセンタービル》

未来都市のような外観で、都市の廃墟的なイメージを同居させました。
都市そのものがインスタレーションであり、NOT ART＝建築がアート的に機能しています。

ピンク・フロイド《The Wall》：巨大な体験装置

1979年のアルバム《The Wall》は、コンサートで実際に巨大な壁を組み立て、最後に壊すという演出で観客を圧倒しました。
音楽は単なる演奏を超え、空間的な「インスタレーション」として提示されたのです。

観客は音だけでなく、光、映像、建築的演出を同時に体験しました。
NOＮ ART＝舞台装置が、そのままNOT ARTの体験に転換した例です。

ビートルズ『サージェント・ペパーズ』とアルバムジャケットの革命

1967年、ビートルズのアルバム『Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band』は、単なる音楽作品を超えたコンセプトアルバムでした。
アルバムジャケットには、ピーター・ブレイクがデザインしたカラフルな群衆のコラージュが描かれています。
歴史上の偉人、作家、俳優、政治家などが並び、音楽と視覚が一体となった文化現象を生み出しました。

NOT ART＝商業用アルバムジャケットが、コンセプチュアル・アートとして機能した瞬間です。

デヴィッド・ボウイ：ジギー・スターダストの演劇化

1972年、ボウイは「ジギー・スターダスト」という架空のロックスターになりきり、ステージに立ちました。
彼は現実と虚構を混在させ、自らを一つの「キャラクター作品」として提示しました。
音楽だけでなく、ファッション、演劇、映像が融合した総合的なインスタレーション。

NON ART＝人物の演技やキャラクター設定が、そのままNOT ARTに転換された例です。

ブライアン・イーノ & ロバート・フリップ ― 音と環境の再定義

• イーノ：《Music for Airports》（1978）でアンビエントを提唱、「環境を変容させる音楽」を構築。

• フリップ：《In the Court of the Crimson King》（1969）でプログレッシブ・ロックを総合芸術化。
  フリップ本人が「プログレッシブ・ロック」というレッテルを張られることを嫌っているのも「NOT ART」に通ずる気がする。

• さらに2人は Windowsの起動音 を作曲。日常の機械音＝NON-ARTを「詩的な体験」に変換。

• → 音楽と環境音の境界を揺るがせ、誰もが知らぬうちに現代アートに触れる状況を生み出した。

  本来、別々に紹介するべき重要人物であるが、「フリップ＆イーノ」の作品もあるので一緒にとりあげた。
  さらに、デビッド・ボウイの「Heroes」というアルバムは、この３人がコラボしており、歴史的な「NOT ART」な作品かもしれない。

ヒプノシス ― アルバムジャケットをインスタレーションに

• ピンク・フロイド《狂気》やレッド・ツェッペリン、イエスなどの名盤ジャケットを手がける。

• 商品パッケージ＝NOT ARTを「音楽の世界観を拡張する視覚的コンセプト」に昇華。

• アルバムは「手に持てるインスタレーション」として、音と視覚が統合された総合芸術に。

• 音楽アルバムのビジュアルを「NOT ART」に変換した逆転劇。

NOT ART3.0のまとめ

NOTART 3.0は「消費・拡散・体験」がアートの条件になった時代でした。
作品はもはや「もの」ではなく、人々が参加し、拡散し、体験する場そのものとなったのです。

長くなったので割愛してしまいましたが、NOT ART3.0の時代は、まだまだ重要な人や作品が山ほどあります。
とても紹介しきれないのですが、一部を列挙しておきます。

特に、音楽や映画などは現代アートの領域では、しばしば「エンターテインメント」として軽視されがちです。

楽しませることを目的とする表現は「浅いもの」とされ、アートの正統から外されてきました。
また、建築は「機能性」必要不可欠なため「デザイン」の延長、として見られることが多い分野です。

しかし、こうした分野の周縁にこそ NOT ART が豊かに存在しています。

大規模なコンサート、スポーツイベントの演出、テーマパークの体験型ショー等、それらは一見「ただのエンタメ」に見えます。
また、建築も機能を追求するだけのようで、実は、そこに「機能以上の何か」を表現したものが多く存在します。
これらは、文脈を与えられれば、そこには批評性や社会的メッセージが潜み、“NOT ART” として立ち上がるものが数えきれません。

つまり、エンタメや日常的なデザイン等の世界は現代アートから切り離された外部なのではなく、むしろ NOT ARTの宝庫 なのです。
それは、音楽のレコードジャケット等に見られるように、「現代アート」というラベルのある作品たちの大きな流れが、その時代のエンタメや日常的な工業製品、建築物等にも大きな影響を及ぼしたはずです。

「現代アート」が嫌われて批判されるものがありながらも、実は、そのコンセプトや主張は、私たちが「現代アート」だと認識していない日常のエンタメや身の回りのデザイン等のクリエイターの共感を呼び、「NON ART」に対しても影響を及ぼして、現実社会が形成されている部分があるのではないでしょうか。

NOTART3.0 追録

現代アート

• ジャクソン・ポロック（アクション・ペインティング）：少し時代は早いが、体験型アートの源流。

• アンゼルム・キーファー：戦争の記憶と素材性を結びつけた大規模絵画・インスタレーション。

• カラ・ウォーカー：影絵を用い人種・ジェンダー問題を批評する作品群。

• ビル・ヴィオラ：ビデオインスタレーションの第一人者。スローモーション映像で精神性を提示。

• マシュー・バーニー《クレマスター・サイクル》（1994–2002）：映像と身体を用いた巨大コンセプトアート。

• シンディ・シャーマン：セルフポートレート写真でアイデンティティを解体。

建築

• レンゾ・ピアノ & リチャード・ロジャース（ポンピドゥー・センター）

• レム・コールハース（ポストモダン都市論）

• ザハ・ハディド：コンピュータ建築時代の先駆け、曲線と未来的フォルムを導入。

音楽

• フランク・ザッパ：音楽と政治風刺・実験を融合、ロックを批評性のあるアートへ。

• ローリー・アンダーソン：パフォーマンスとテクノロジーを融合させたアート的音楽家。

• ブライアン・フェリー／ロキシー・ミュージック：ファッション・アートとの接続点として影響大。

• U2《Zoo TV Tour》（1992）：巨大スクリーンや映像操作を駆使した「ライブ＝メディアアート」。

• マイルス・デイヴィス（エレクトリック期）：ジャズを分解し、音響実験と美学を提示。

• サン・ラ（Sun Ra）：宇宙をテーマに音楽・映像・パフォーマンスを統合＝アフロフューチャリズムの源流。

映像・映画

• デイヴィッド・リンチ：《イレイザーヘッド》《ブルーベルベット》などでシュルレアリスム的映像を大衆映画に。

• ケン・ラッセル：《トミー》（The Whoのロックオペラ映画, 1975）→ロックと映像の総合芸術。

• ジョージ・ルーカス／スター・ウォーズ（1977〜）：娯楽大作でありながら神話構造と映像革新を持ち込み、世界的文化装置に。

• リドリー・スコット：《ブレードランナー》（1982）→SF映画を哲学的・視覚芸術的体験に昇華。

• 宮崎駿／スタジオジブリ：《風の谷のナウシカ》（1984）以降、アニメを世界的な芸術言語に。